/ PRESENTATION
EN PLEIN AIR
CANEMORTO
di Antonio Grulli
È sempre importante tenere a mente che il fondamento dell’arte - per come la concepiamo oggi e per come è stata concepita almeno dal medioevo a oggi - risiede in un percorso di eccedenza, di sconfinamento, di costruzione di un cammino in grado di esorbitare, di uscire fuori da un’orbita che sembra segnata e definitiva. Si è veri artisti se si è in grado di prendere almeno un elemento che non aveva cittadinanza nel mondo dell’arte, che viveva al di fuori dei confini artistici, e si riesce a far capire, con la propria forza e la propria abilità,
che quell’elemento ha pieno diritto di esistenza come oggetto, sentimento, forma, stile in quel mondo dell’arte da cui fino a poco prima era interdetto. Il “fuori” è il centro dell’arte. E tutto questo processo si è manifestato sia come contenuto delle opere sia come posizione dell’artista, non solo intellettuale, ma al contempo fisica e corporea. In quest’ottica, è importante ricordare due momenti cruciali per la storia dell’arte: il 1841 e il 1949. Perché talvolta non basta desiderare qualcosa, bisogna che le circostanze materiali e tecnologiche
lo consentano. E queste circostanze producono quasi sempre una reazione, l’emersione di energie e frizioni già presenti che vengono liberate completamente, rese manifeste.
Nel 1841 il ritrattista americano John Rand inventa i tubetti di stagno morbido per sostituire i vecchi e scomodi contenitori dove venivano conservati i colori ad olio. Pierre-Auguste Renoir, a questo proposito, avrà modo di dire la famosa frase “Senza tubetti di colore non ci sarebbero stati Cezanne, Monet, Sisley o Pissarro, e ciò che la gente avrebbe definito impressionismo”.
Ed è vero: il tubetto permette ai pittori di uscire dal proprio studio e di dipingere per ore e ore con comodità e agevolezza.
Nasce la pittura en plein air. Ma questa rivoluzione non va solo intesa nel suo senso artistico e linguistico.
Si è trattato di una rivoluzione che ha fatto emergere con più forza alcune caratteristiche dell’essere un artista nel mondo.
Si tende a pensare che uno iato tra l’arte e le persone si sia creato a partire dal periodo delle avanguardie storiche in avanti.
Ma non è così. La vera arte, la nuova arte, è un atto terroristico, perché fa capire alle persone che lo spirito del tempo è cambiato completamente. È uno scombussolamento di tutte le nostre certezze, e non vi è nulla di piacevole o accomodante in questo.
La vera arte è scomoda, disturba, ci prende e ci strazia completamente. Giotto ha compiuto una rivoluzione tremenda, superiore a quella di Duchamp, ed era amato solo da una élite intellettuale. Il volgo non lo capiva: il volgo voleva il fondo oro e i merletti gotici; quelle facce da contadini e quella presenza corporea tridimensionale erano una bestemmia nel momento in cui si parlava di Dio e dei Santi.
La nascita della pittura en plein air provoca una reazione furiosa da parte delle masse, che odiano profondamente questo nuovo genere di pittura. Abbondano gli aneddoti delle reazioni alle prime mostre in Francia, così come nei confronti di un pittore come William Turner, che viene continuamente sbeffeggiato in patria sui quotidiani. Sono sicuro che non si tratti solo di un’incomprensione nei confronti di una pittura nuova; sono sicuro che queste figure, gli artisti, in giro per il mondo, liberate dal loro studio, così indipendenti e anomale, così eccedenti e, nel loro essere diverse, così antisociali, terrorizzino ancora più della loro pittura. Vincent Van Gogh viene ucciso per questo; e se non vogliamo credere a questa versione della storia, non possiamo negare che venga “suicidato dalla società”.
A Renoir capita qualcosa di molto simile e riesce a salvarsi per un soffio. L’artista per la massa deve stare nel suo spazio, nel suo studio, al chiuso, confinato dal mondo. Non deve uscire. Ma l’artista esce. L’arte deborda. E lo studio diventa la strada.
Perché l’arte necessita della vita per poter nascere, e la vita necessita dell’arte per poter diventare eterna.
Nel 1949 Edward Seymour introduce per la prima volta della vernice nelle bombolette spray, del colore. Gli artisti hanno un nuovo strumento, ancora più veloce, ancora più comodo, e che suggerisce soluzioni stilistiche e formali inedite. Questa semplice innovazione, l’introduzione di colore all’interno di uno strumento già esistente, produce un terremoto ancora in corso oggi.
La frizione tra artista e collettività si esaspera di più, e iniziano copiosi i morti, gli arresti, le multe, le indagini.
Il collegamento tra la pittura e l’arte di strada nelle sue molte sfaccettature potrebbe a molti sembrare peregrino.
Ma non è così, anzi. Da critico d’arte mi intriga il fatto che vi sia una vera e propria continuità e una sorta di passaggio di eredità.
Negli ultimi decenni l’arte contemporanea “mainstream” (chiamiamola così per comodità…) ha cercato (senza riuscirci del tutto) di sbarazzarsi di tutta una serie di caratteristiche proprie: in arte è diventato poco elegante parlare di riconoscibilità stilistica per il lavoro di un artista, così come sembra superato il concetto che qualcuno possa apportare un’innovazione formale per la prima volta; è assolutamente bandita ogni forma di valutazione del valore degli artisti, i quali sembrano vivere in una sorta di limbo informe all’interno del quale hanno tutti la stessa grandezza, o la stessa piccolezza, e all’interno del quale si riesce a emergere su non si capisce quali criteri.
L’arte della strada ha raccolto dalla spazzatura tutti questi principi e li ha fatti propri: la riconoscibilità stilistica è fondamentale nella strada, ed è vanto dell’artista, così come ogni writer conosce perfettamente chi e quando ha creato per la prima volta una certa lettera fatta in un determinato modo, mai visto in precedenza. E ci si scanna in continuazione per capire chi è più grande nell’arte di strada, luogo in cui non tutti hanno lo stesso valore. L’arte di strada vive, sana, e vegeta, nonostante il tentativo di repressione: non ha bisogno di scuole, non chiede finanziamenti, non vuole propaganda.
E qui arriviamo alla mostra dei CANEMORTO. L’intero progetto è un enorme e poetico tributo alla pittura en plein air; agli avi come Renoir, Monet, Cezanne, Van Gogh, che per primi si sono messi del colore negli zainetti e dei cappelli in testa e sono andati in giro a far danni; a coloro che per primi si sono messi in pericolo per testimoniare col proprio corpo l’importanza dell’arte, e di come non vi sia arte senza vita e vita senza arte. È un tributo poetico alla maniera dei CANEMORTO, in cui la beffa teppistica diventa vicinanza e trucco per poter abbracciare ciò che sembra distante e diverso.
Il perno dell’intera mostra è il video diretto da Marco Proserpio in cui viene documentata la partecipazione dei nostri a un concorso di pittura estemporanea en plein air, avvenuto nei mesi scorsi. Un concorso a cui i CANEMORTO non solo partecipano, ma dal quale escono vincitori (è tutto vero, ve lo giuro) nonostante abbiano fatto di tutto per perdere. Da qui prende il via una sequenza di vicende completamente folli sempre a cavallo tra spavalderia e miseria, presa per il culo e generosità, follia e onestà intellettuale; tutti
elementi caratteristici della loro arte, soprattutto dei molti video, realizzati sia come opere sia come veicolo di comunicazione con il proprio pubblico.
A questo si aggiungono in mostra una serie di quadri dove si confrontano con il genere della pittura en plein air e di paesaggio.
E qui emergono gli elementi più stupefacenti. Perché i CANEMORTO hanno un’anima profondamente legata alle esperienze storiche dell’arte, soprattutto delle avanguardie di inizio Novecento, nei confronti delle quali è evidente un vincolo di amore e di riconoscenza.
In questi quadri ho sentito il sapore della linea seghettata e tagliente di Ernst Ludwig Kirchner, dei suoi paesaggi alpini dell’esilio svizzero, in cui si rifletteva la cupezza dei tempi in cui talvolta si è chiamati a vivere; ho ritrovato i cieli neri dei murales di Diego Rivera nel ministero dell’istruzione di Città del Messico, sotto i quali una rivoluzione tentava di compiersi; ho scovato le figure di Paul Gauguin, nascoste in un paesaggio troppo intriso di malinconia per poter essere riconosciuto come un paradiso terrestre; ho percepito la passione dei Fauves nel fare paesaggi dai sentimenti umani. Sono dipinti profondamente classici, sebbene attuali, nei quali si compie la magia di poter dipingere in tre, generalmente una bestemmia per la pittura.
Ma questo devono fare i veri artisti probabilmente: bestemmiare nella chiesa delle regole sacre dell’arte.
La loro collaborazione allora si muove tra la pratica del cadavere exquis e il procedere collettivo della musica di oggi.
Con la grandezza che solo ai poeti appartiene, Vladimir Majakovskij, altro gigante suicidato della società, una volta ha scritto “Non rinchiuderti, Partito, nelle tue stanze, resta amico dei ragazzi di strada”. Il poeta parla del tutto anche quando parla dello specifico.
Il ragazzo di strada di quegli anni era il teppista, l’irregolare, termini con i quali anche lui veniva identificato e si identificava: esattamente quello che sono gli artisti nelle strade oggi.
E il partito che si chiude nelle sue stanze non è solo il partito politico, è anche l’arte che si istituzionalizza, che si fa accademia, che si distacca dalla vita, che si astrae dal mondo reale, che si fa retorica per poter sopravvivere quando meriterebbe di morire.
Blaise Pascal ci ha spiegato come tutti i problemi dell’uomo nascano dall’incapacità di stare tranquilli in una stanza.
Ma noi sappiamo che in quanto uomini moderni fatti non fummo per viver come bruti. Preghiamo allora perché anche in futuro gli artisti trovino gli strumenti e il modo di uscire nel mondo a dare fastidio, a risplendere, a scuotere le coscienze, a rendere questo posto che ci è dato vivere ancora più spaventosamente bello.
EN PLEIN AIR
Canemorto
by Antonio Grulli
It is essential to always bear in mind that the foundation of art - understood today as it has been since the Middle Ages - lies on a path of excess, trespassing, building of a route capable of going beyond, exiting an orbit that seemed determined and definitive.
Being true artists means being capable of taking at least one element that had no citizenship in the art world, that lived outside the artistic borders, and, with one’s own strength and ability, succeeding in proving that it has every right to exist as an object, feeling, form, style in that very same art world that was up until then forbidden. “Out” is the art centre. And all this process has manifested itself both as content of the body of work and as position of the artist, intellectual and at the same time physical and corporeal.
In this perspective, two crucial moment in art history ought to be kept in mind: 1841 and 1949. Because sometimes, to desire something is not enough, but material and technological circumstances are required for it to come to fruition. And these circumstances often trigger a reaction, the emergence of energies and frictions already present that are finally released, made manifest.
In 1841, the American portraitist John Rand invents the first tin collapsible paint tubes to replace the old and inconvenient containers used to store oil paint. Pierre-Auguste Renoir, on this regard, will have this to say, ‘Without colours in tubes, there would be no Cézanne, no Monet, no Pissarro, and no Impressionism’. And it is true: paint tubes enable painters to paint for hours on end with ease and comfort outside their studios. En plein air painting is born. But this revolution ought to be understood beyond its artistic and linguistic impact. What happens strengthens some core characteristics of being an artist of the world.
It is often assumed that a hiatus between art and people took place from the historical avant-garde period onwards, but that is not the case. True art, new art, is a terroristic act because it shows people that the spirit of the time has completely changed. It upsets our beliefs, and there is nothing pleasant or accommodating about it. True art is uncomfortable, it disturbs, it takes hold and destroys us. Giotto brought forth a tremendous revolution, greater than Duchamp’s, and was only loved by an intellectual elite. Common people didn’t understand him: they wanted gold and gothic lace; farmers’ faces and tridimensional bodily presence was blasphemy at a time of God and Saints.
The birth of en plein air painting causes a furious reaction from the masses who vehemently oppose this new kind of painting.
There’s an abundance of anecdotes on the reaction to the first exhibitions in France, as well as to painters of the likes of William Turner, who is constantly mocked by the press. I’m sure it is not just a lack of understanding of a new kind of painting; I believe that this figures, these artists, traveling the world, freed from their studios, so independent and abnormal, so extra, and, in their being different, so antisocial, they are even more terrifying than their paintings. Vincent Van Gogh is killed for this; and if we don’t want to believe this version of the story, we can’t deny that it is ‘suicide by society’. Something very similar happens to Renoir, and he just barely saves himself. For the masses, the artist has to stay put, in his studio, indoor, confined by the world. He must not get out. But the artist does.
Art overflows. And the studio turns into the street. Because art requires life to be born, and life needs art to be eternal.
In 1949, Edward Seymour introduces spray paint for the first time.
Artists have a new tool, an even faster one, an even more conveniente one, one that suggests original stylistic and formal solutions.
This simple innovation, the introduction of colour in a pre-existing tool produces an earthquake still underway today.
The friction between artist and collectivity intensifies even more, and so begins the copious deaths, arrests, fines, investigations.
The multi-faceted connection between painting and street art might seem foreign to many. As an art critic, I’m intrigued by the fact that there seems to be real continuity and transfer of heritage. Over the last decades, ‘mainstream’ contemporary art (let’s call it that for the sake of convenience) has tried, without fully succeed, to rid itself of a series of its own characteristics: in art, it has become inelegant to discuss stylistic recognisability for the work of the artist, in the same way as we seem to have moved past the concept that someone can be capable of formal innovation for the first time; any form of value assessment of the artist is absolutely prohibited as they all seem to live in a sort of shapeless limbo within which they are all the same greatness, or smallness, and from which they appear to emerge based on unknown criteria. Street art has collected from the garbage all these principles and has made them its own: stylistic recognisability is fundamental on the street, and it is the artist’s pride; every writer is well aware of who and when a certain letter was created, in a specific way that had not been seen before. And there’s an ongoing fight to establish who is the greatest street artist, a place where all don’t have the same value. Street art lives, healthy, and thrives against the attempts to repress it: it doesn’t need schools, it doesn’t ask for financing, it doesn’t want propaganda.
And here comes CANEMORTO’s exhibition. The entire project is a gigantic and poetic tribute to en plein air painting; ancestors like Renoir, Monet, Cézanne, Van Gogh, who first put colour in their rucksacks and hats on their head and went out to make trouble; to those who first put themselves at risk to provide evidence of the importance of art, and of how there is no art without life and life without art.
It is a poetic tribute in classic CANEMORTO’s style, the hooligan joke becomes affinity and trick to embrace that which seems distant and different.
The cornerstone of the entire exhibition is the video documenting their participation to an extemporaneous en plein air painting contest that took place in previous months. A contest CANEMORTO not only took part in, but one they won (it’s all true, I swear) even though they did everything they could to lose. From this moment, a sequence of absolutely crazy events unfolds, always between cockiness and misery, piss-taking and generosity, folly and intellectual honesty; all elements true to their art, especially the many videos realised both as artwork and mean of communication with their audience.
A series of paintings in which they confront themselves with en plein air and landscape painting adds to the exhibition.
And here the most astonishing elements emerge. Because CANEMORTO have a soul deeply embedded with historical art experiences, above all others with early nineteenth century avant-garde, towards which they appear bound to by love and gratitude. In these paintings, I felt the taste of Ernst Ludwig Kirchner’s jugged and sharp line, his Swiss exile alpine landscapes reflecting the darkness of times mankind is sometimes called to live in; I found the black skies of Diego Rivera’s murals at the Ministry of Public Education in Mexico City, under which a revolution was attempted; I discovered Paul Gauguin’s shapes, hidden in a landscape too imbued with melancholy to be recognised as earthly paradise; I sensed Fauves’ passion to turn emotions into landscapes.
These are profoundly classical paintings, even though current, where three can paint and still make magic happen, something generally seen as blasphemy in the art world. But this is what true artists probably have to do: blaspheme in the church of art most sacred rules. Their collaboration then moves between the Cadavre Exquis practice and music collective evolution today.
With the greatness that only belongs to poets, Vladimir Majakovskij, another giant suicided by society, once wrote, ‘don’t shut, Party, alone in your rooms, remain friends with the street kids’. The poet speaks of the whole when it talks about the specific. The street kid was the hooligan, the irregular of those years, words also used to identify him as he identified himself in them: it is precisely what street artists are today. The party that locks itself in its rooms is not just the political party, it is also art that is institutionalised, that becomes academia, that detaches itself from life, that removes itself from the real world, that turns to rhetoric in order to survive when it deserves to die.
Baise Pascal told us how all mankind’s issues stem from the inability to remain calm in a room. But we know that as modern men we were not made to live as brutes. Let’s pray then for a future in which artists find the tools and the way to get out into the world and make noise, shine, shake consciences, make this place that’s been given to us even more terribly beautiful.